ANÁLISIS DE LOS FUNDAMENTOS DE LA IMAGEN EN EL ARTE
1.-Fundamentos de la imagen bidimensional.
1.1.- Descripción
- Motivo representado:
El título de la obra es RAICES y fue realizada en el año 1943. Es un autorretrato en el que la autora vuelve nuevamente al tema de la Naturaleza. Muestra a la artista reclinada sobre un paisaje estéril, desierto y rocoso de resquebrajada sequedad. De su torso salen raíces de las que fluye su sangre como símbolo de la vida. Se muestra como una planta fusionada como parte de la Tierra. Directamente su mirada se presenta al espectador: sus cejas unidas en el ceño, las mejillas sonrosadas y el bozo ligeramente sugerido son los rasgos que caracterizan a la artista junto a su melena suelta. Nuevamente aparece como en muchas de sus obras el sueño de fertilidad de una mujer sin hijos. El torso aparece abierto como si fuera una ventana que da a luz a una viña. La sangre fluye a través de la viña por los capilares rojos que se van extendiendo para alimentar a la tierra seca.
En este cuadro, la autora parece nuevamente aludir a sus raices mexicanas simbolizando el reencuentro como pareja tras varios años de separación y sufrimiento de Diego Rivera. Esta obra también fue denominada El pedregal por la especie de cama de lava donde aparece descansando la pintora.
Técnica: Óleo
Soporte: Metal
Dimensiones: 30´2 x 49´2 cm.
1.2.-Elementos formales
Tratamiento
Dentro de este apartado analizaremos la pincelada, la textura y el tipo de línea.
- Pincelada: La pintora utiliza diferentes tipos de pinceladas en su obra. Una pincelada más larga para las zonas donde sitúa a la figura principal (vestido, cara. pelo, etc) una pincelada más corta en la zona rocosa, donde combinando diferentes colores obtiene un efecto de sequedad y podríamos considerar una pincelada vaporosa en el cielo.
Utiliza pinceladas muy definidas y marcadas en todo lo que está referido a la figura principal y primeros planos y difusas en el plano donde esta el suelo de lava.
-Textura: La textura de esta obra pictórica en líneas generales es lisa y mate. Aparecen algunas zonas con más brillo, nuevamente las referidas a la figura de Frida situada en el centro del cuadro (vestido) Contrarresta esta imagen con las del fondo que las rodea (suelo) que se presentan de forma más emborroneada en sus bordes.
-Líneas: Aunque de forma generalizada podemos ver como las líneas utilizadas mantienen el mismo grosor de una forma homogénea distinguimos diferentes tipos de líneas en esta obra:
-Líneas de contorno: Utilizadas en el rostro de la figura central para distinguir y destacar aspectos característicos en la pintora (cejas y pelo). Igualmente usa este tipo de línea en parte para perfilar el tallo de las plantas
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-Línea mancha: Es la línea que utiliza en este cuadro en mayor número de ocasiones. Podemos observarla entre el vestido y el suelo, entre el suelo y el cielo, y en general por toda la obra.
-Línea objetual: Es la línea que representa algo, por ejemplo en el cuadro podemos verlo en la línea que representa los capilares de color rojo que se distribuye por gran parte de la obra en su parte inferior y en la línea que utiliza para dar un mayor detalle a los hojas verdes.
La luz y sombra.
-Tipo: Podemos distinguir dos tipos de focos luminosos en la obra. En el cielo aparece una luminosidad que nos pone de manifiesto la existencia de una luz natural posiblemente el sol, aparece un cielo que aunque con nubes crea un brillo y gran luminosidad a la parte superior del cuadro. Sin embargo a la derecha del cuadro aparece otro foco de luz que produce iluminación a la figura central y a su vez numerosas sombras que verifican la procedencia del origen luminoso.
Intensidad: los colores que utiliza esta pintora los presenta con una gran intensidad cromática, sobre todo la figura principal y central que la hace por tanto destacar.
-Función: La función principal es destacar su propia figura, ya que la coloca sobre un fondo de poca luminosidad y apagado. El efecto de luz y de sombras es proporcionar cierto volumen (podemos verlo en el vestido y en las hojas verdes, en la almohada, etc.) Este logro por crear volúmenes, hace que la obra adquiera cierta función expresiva y simbólica.
- Origen del foco de luz: El foco de luz parece estar situado en el lateral derecho del cuadro. Esta situación hace que se marquen relieves y ayuda a crear contrastes de claroscuro.
El color
Los colores que utiliza en general podríamos definirlos como vibrantes y brillantes.
-Gama empleada: Podemos diferenciar en el cuadro diferentes partes, en cuanto a la distribución de los colores. Utiliza colores fríos (azules, violetas y verdes) para todo lo que enmarca y rodea en los diferentes planos a la figura principal y central (cielo, rocas, etc) empleando colores cálidos (naranja) para el vestido. Los colores en general podemos decir que carecen de luminosidad (exceptuando el traje de la figura principal y central del cuadro) siendo estos en general oscuros. Esta luminosidad en cuando a luz y utilización de los colores hace nuevamente que sea el elemento resaltante de la obra.
Aunque a la pintora en general le gustan los colores alegres y vivos, carácterísticos del arte popular mexicano, en esta obra podemos observar como la utilización de colores más frios y apagados, están en relación con las emociones que deseaba comunicar.
-Función: Como todas las obras de Frida Kahlo el color tiene utilizado tiene un gran valor simbólico, ya que los relaciona con las emociones que quiere transmitir en ellos.
El espacio
-Espacio: La obra podemos considerarla como un espacio escenográfico ya que representa una escena global. Es un espacio sin una perspectiva definida técnicamente sin embargo, podemos considerar que ha conseguido la profundidad a través del color, textura, tratamiento, línea, etc por lo que estaríamos hablando de un espacio plástico.
Aparecen diferentes planos que dan profundidad al cuadro y por tanto contribuye a su dimensionalidad.
En un primer plano aparece las hojas verdes sobre las rocas al que le sigue el cuerpo erguido que ocupa toda el cuadro en su dimensión horizontal, continuando con el plano de rocas nuevamente y continuar con el último plano donde se representa el cielo. Contribuye igualmente que utilice la reducción del tamaño de las rocas para dar sensación de lejanía.
El espacio plástico que presenta esta obra se ve enriquecido por todos los recursos pictóricos que ha utilizado: superposición (hojas sobre el vestido y sobre el cuerpo, etc.) gradación de los colores (principalmente en el vestido, por efecto de la luz, en las hojas que salen del torno, en el cielo iluminado, etc)
-Tipo de perspectiva:
Podríamos considerar que la obra tiene un tipo de perspectiva paralela.
-Tipo de plano:
Utiliza el plano entero ya que la persona que representa en el cuadro aparece de cuerpo entero y completa (los pies se encuentran debajo del vestido pero quedan constancia de ellos por las sombras representadas).
-Ángulo de visión:
Podemos considerar que el ángulo de visión que Frida ha utilizado en esta obra es el medio. Aunque la figura está yacente, debemos tener en cuenta que la pintora realizaba muchas de sus obras en posición sentada. Aparece por tanto a la misma altura de la persona representada, aunque en determinados espacios muestra un ángulo contrapicado (parte del vestido junto al suelo) La angulación podemos considerarla normal, ya que desde la línea de mira horizontal se ve el ángulo de visión cotidiana de forma equilibrada.
Composición
En general podemos considerar que la composición de esta obra es integral y armónica. Considero que muestra la idea de la unidad como integración de los opuestos, lo desértico o selvático como escenificación de la forma simbólica de la imagen.
-Tipos de esquemas compositivos
El tipo de esquema compositivo de esta obra podemos decir que es simétrico. Aunque solo aparece una figura (tumbada horizontalmente) la pintora a la hora de la ejecución del cuadro ha dispuesto los elementos en planos horizontales, dando por tanto una gran horizontalidad a la obra.
-Ritmo y equilibrio
El utilizar este esquema tan marcadamente horizontal origina que la obra transmita sensación de calma, estabilidad, frialdad, reposo, etc. Sólo emplea elementos curvos en las hojas transmitiendo dichos elementos sensación de cierto movimiento.
Formas de expresión
La obra de la pintora Frida Kahlo podemos catalogarlas como simbolista, ya que como hemos dicho en apartados anteriores intenta representar en sus cuadros su estado general de ánimo, sus vivencias personales, etc. Recorriendo sus diferentes obras y cotejando con su biografía personal, vemos claramente que mediante sus pinturas podemos conocer la vida de esta pintora con más detalle.
